Лучшие в Классической музыке
Исполнители
Вольфганг Амадей Моцарт
,
Открывает наш список известных композиторов австрийский композитор Вольфганг Амадей Моцарт, создавший серию опер, концертов, симфоний и сонат, которые глубоко повлияли на всю классическую музыку.
Музыкант славился своим трудолюбием. Так, однажды, за пять недель он дал 22 концерта, 5 из которых спродюсировал сам. На его выступлениях часто был аншлаг, потому как сам Моцарт обладал уникальной связью с аудиторией, которой, по словам его биографа Мейнарда Соломона, «была предоставлена возможность стать свидетелями трансформации и совершенствования основного музыкального жанра».
Кто знает, достиг бы Вольфганг таких высот и славы, если бы не его упорство, а также требовательность и целеустремленность его отца, который занимался музыкальным воспитанием сына. Так или иначе, ключом к успеху в любом деле является многолетняя практика, наполненная интенсивными тренировками и занятиями. Но достижение любой цели начинается с маленьких шагов. Так, например, уже сегодня вы можете пройти наш курс по музыкальной грамотности, чтобы определить для себя правильный вектор движения в будущем.
Несмотря на большую популярность и славу, со временем финансовое состояние Моцарта стало ухудшаться. Он стал меньше выступать, а потому его доход упал. Вскоре он начал занимать деньги у друзей.
Музыкант давал концерты, пытаясь восстановить финансовое положение семьи. Двухлетний период 1788-1789 годов стал для Моцарта низшей точкой, во время которой он испытывал депрессию. Историки считают, что композитор мог страдать биполярным расстройством личности, что могло бы объяснить периоды истерии в сочетании с приступами лихорадочного творчества.
Так, например, после двухлетней депрессии Моцарт в последующие 2 года пережил период большой музыкальной продуктивности и личного исцеления. Он смог возродить свою популярность, а его финансовое положение, наконец, начало улучшаться.
Моцарт умер 5 декабря 1791 года в возрасте 35 лет – достаточно раннем даже для того времени. На момент смерти Моцарт считался одним из величайших композиторов всех времен. Его музыка представляла собой смелое выражение, часто сложное и противоречивое, и требовала высокого технического мастерства от исполнителя
Людвиг ван Бетховен
,
Лю́двиг ван Бетхо́вен (нем. Ludwig van Beethoven, произношение:16 декабря 1770, Бонн, Кёльнское курфюршество, Священная Римская империя — 26 марта 1827, Вена, Эрцгерцогство Австрия, Австрийская империя) — немецкий композитор, пианист и дирижёр, последний представитель «венской классической школы».
Бетховен — ключевая фигура классической музыки в период между классицизмом и романтизмом, один из наиболее исполняемых композиторов в мире. Он писал во всех существовавших в его время жанрах, включая оперу, музыку к драматическим спектаклям, хоровые сочинения. Самыми значительными в его наследии считаются инструментальные произведения: фортепианные, скрипичные и виолончельные сонаты, концерты для фортепиано, для скрипки, квартеты, увертюры, симфонии. Творчество Бетховена оказало значительное воздействие на симфонизм XIX и XX веков.
Иоганн Себастьян Бах
,
Иоганн Себастьян Бах был младшим, восьмым ребёнком в семье музыканта Иоганна Амброзиуса Баха и Марии Элизабет Леммерхирт. Род Бахов известен своей музыкальностью с начала XVI века: многие предки и родственники Иоганна Себастьяна были профессиональными артистами и музыкантами[10]. В этот период церковь, местные власти и аристократия поддерживали музыкантов, особенно в Тюрингии и Саксонии. Род Бахов был немецкого происхождения, самый отдалённый родоначальник фамилии Фейт Бах был родом из Тюрингии, переселился в Венгрию, но под влиянием религиозных преследований протестантов, начатых там в XVI в., вернулся на родину, с тех пор род Бахов не покидал отечество. Отец Баха, Иоганн Амброзиус, внук Фейта, жил и работал в Эйзенахе (великое герцогство Саксен-Веймарское). В это время в городе насчитывалось около 6000 жителей. Работа Иоганна Амброзиуса включала организацию светских концертов и исполнение церковной музыки.
Когда Иоганну Себастьяну было 9 лет, умерла его мать, а через год не стало отца. Мальчика взял к себе старший брат, Иоганн Кристоф, служивший органистом в соседнем Ордруфе. Иоганн Себастьян поступил в гимназию, брат обучал его игре на органе и клавире. Обучаясь в Ордруфе под руководством брата, Бах познакомился с творчеством современных ему южнонемецких композиторов — Пахельбеля, Фробергера и других. Возможно также, что он познакомился с работами композиторов Северной Германии и Франции.
В 15 лет Бах переехал в Люнебург, где в 1700—1703 годах учился в вокальной школе Св. Михаила. Во время учёбы он посетил Гамбург — крупнейший город в Германии, а также Целле (где в почёте была французская музыка) и Любек, где он имел возможность познакомиться с творчеством знаменитых музыкантов своего времени. К этим же годам относятся и первые произведения Баха для органа и клавира. Кроме пения в хоре, Бах, вероятно, играл на трёхмануальном органе школы и на клавесине. Здесь он получил первые знания по богословию, латыни, истории, географии и физике, а также, возможно, начал учить французский и итальянский языки. В школе Бах имел возможность общаться с сыновьями известных северонемецких аристократов и известными органистами, прежде всего, с Георгом Бёмом в Люнебурге и Рейнкеном в Гамбурге. С их помощью Иоганн Себастьян, возможно, получил доступ к самым большим инструментам из всех, на которых он когда-либо играл. В этот период Бах расширил свои знания о композиторах той эпохи, прежде всего, о Дитрихе Букстехуде, которого он очень уважал.
Джузеппе Верди
,
Родился 10 октября 1813 года в деревне Ле Ронколе[it], неподалёку от Буссето (Пармское герцогство). Отец композитора, Карло Верди, содержал деревенский трактир, а мать — Луиджа Уттини — была пряхой. Семья жила бедно, и детство Джузеппе было тяжёлым. В деревенской церкви он помогал служить мессу. Музыкальной грамоте и игре на орга́не учился у Пьетро Байстрокки. Заметив тягу сына к музыке, родители подарили Джузеппе спинет. Этот весьма несовершенный инструмент композитор сохранил до конца своей жизни.
На музыкально одарённого мальчика обратил внимание Антонио Барецци (Antonio Barezzi) — богатый торговец и любитель музыки из соседнего города Буссето. Он верил, что Верди станет не трактирщиком и не деревенским органистом, а великим композитором. По совету Барецци десятилетний Верди переехал для учёбы в Буссето. Так началась новая, ещё более тяжёлая полоса жизни — годы отрочества и юности. По воскресным дням Джузеппе отправлялся в Ле Ронколе, где играл на органе во время мессы. У Верди появился и учитель композиции — Фернандо Провези, директор «Филармонического общества» Буссето. Провези занимался не только контрапунктом, он пробудил в Верди тягу к серьёзному чтению. Внимание Джузеппе привлекают классики мировой литературы — Шекспир, Данте, Гёте, Шиллер. Одно из самых любимых его произведений — роман «Обручённые» великого итальянского писателя Алессандро Мандзони.В Милане, куда Верди отправился в возрасте восемнадцати лет, дабы продолжить образование, в Консерваторию (сегодня носящую имя Верди) его не приняли «из-за низкого уровня фортепианной игры; кроме того, в консерватории были возрастные ограничения». Верди начал брать частные уроки контрапункта, посещая в то же время оперные спектакли, а также просто концерты. Общение с миланским бомондом убедило его всерьёз подумать о карьере театрального композитора.
Вернувшись в Буссето, при поддержке Антонио Барецци, Верди дал своё первое публичное выступление в доме Барецци в 1830 году.
Очарованный музыкальным даром Верди, Барецци предлагает ему стать учителем музыки для своей дочери Маргариты. Вскоре молодые люди горячо полюбили друг друга и 4 мая 1836 года Верди женится на Маргарите Барецци. Вскоре Маргарита родила двух детей: Вирджинию Марию Луизу (26 марта 1837 — 12 августа 1838) и Ицилио Романо (11 июля 1838 — 22 октября 1839). В то время как Верди работал над своей первой оперой, оба ребёнка умерли в младенческом возрасте. Через некоторое время (18 июня 1840 года) в возрасте 26 лет супруга композитора Маргарита умирает от энцефалита.
Первая постановка оперы Верди («Оберто, граф Бонифаччо») (Oberto) в миланской «Ла Скала» была одобрена критиками, после чего импресарио театра, Бартоломео Мерелли, предложил Верди контракт на написание двух опер. Ими стали «Король на час» (Un giorno di regno) и «Набукко» («Навуходоносор»). Жена и двое детей Верди умерли, когда он работал над первой из этих двух опер. После её провала композитор хотел перестать писать оперную музыку. Однако премьера «Набукко» 9 марта 1842 года в «Ла Скала» сопровождалась большим успехом и утвердила репутацию Верди как оперного композитора. За один последующий год опера ставилась в Европе 65 раз и с тех пор занимает прочное место в репертуаре ведущих оперных театров мира. За «Набукко» последовали сразу несколько опер, в том числе «Ломбардцы в крестовом походе» (I Lombardi alla prima crociata) и «Эрнани» (Ernani), которые ставились и имели успех в Италии.
В 1847 году опера «Ломбардцы», переписанная и переименованная в «Иерусалим» (Jérusalem), была поставлена Парижской оперой 26 ноября 1847 года, став первым произведением Верди в стиле гранд-опера. Для этого композитору пришлось несколько переработать эту оперу и заменить итальянских персонажей на французских.
Петр Чайковский
,
Пётр Ильи́ч Чайко́вский (25 апреля [7 мая] 1840, пос. Воткинск, Вятская губерния — 25 октября [6 ноября] 1893, Санкт-Петербург) — русский композитор, педагог, дирижёр и музыкальный критик.
Наследие Чайковского представлено разными жанрами: это — десять опер, три балета, семь симфоний (шесть пронумерованных и симфония «Манфред»), 104 романса, ряд программных симфонических произведений, концерты и камерно-инструментальные ансамбли, хоровые сочинения, кантаты, фортепианные миниатюры и фортепианные циклы. Его творчество представляет собой чрезвычайно ценный вклад в мировую музыкальную культуру и, наряду с творчеством его современников — композиторов «Могучей кучки», знаменует собой новый этап в развитии русской музыки.
Чайковский является одним из величайших композиторов мира, ярким представителем музыкального романтизма и одним из выдающихся лириков и драматургов-психологов в музыке, углубившимся в психологический анализ сложных и противоречивых явлений жизни.
Михаил Глинка
,
Михаил Глинка родился 20 мая (1 июня) 1804 года в селе Новоспасском Смоленской губернии, в имении своего отца, отставного капитана Ивана Николаевича Глинки (1777—1834). Матерью его была троюродная сестра отца — Евгения Андреевна Глинка-Земелька (1783—1851). Прадед композитора был шляхтичем из рода Глинки герба Тшаска — Викторин Владислав Глинка (польск. Wiktoryn Władysław Glinka). После потери Речью Посполитой Смоленска в 1654 году В. В. Глинка принял российское подданство и перешёл в православие. Царская власть сохранила за смоленской шляхтой земельные владения и дворянские привилегии, включая прежние гербы.
До шести лет Михаил воспитывался бабушкой по отцу Фёклой Александровной, которая полностью отстранила мать от воспитания сына. Он рос нервным, мнительным и болезненным ребёнком-недотрогой — «мимозой», по собственной характеристике Глинки. После смерти Фёклы Александровны Михаил снова перешёл в полное распоряжение матери, приложившей все усилия, чтобы стереть следы прежнего воспитания. С десяти лет он начал учиться игре на фортепиано и скрипке; первой его учительницей была приглашённая из Санкт-Петербурга гувернантка Варвара Фёдоровна Кламмер.
В 1817 году родители привезли Михаила в Санкт-Петербург и поместили в Благородный пансион при Главном педагогическом институте (в 1819 году переименован в Благородный пансион при Санкт-Петербургском университете), где его гувернёром был поэт, декабрист В. К. Кюхельбекер, чья родная сестра Юстина (1784—1871) вышла замуж за Г. А. Глинку (1776—1818) — двоюродного брата отца композитора.
В Санкт-Петербурге Михаил брал частные уроки у видных музыкальных педагогов, в том числе у Карла Цейнера и Джона Филда. В 1822 году успешно (вторым учеником) окончил курс обучения в Благородном пансионе при Императорском Санкт-Петербургском университете. В пансионе он познакомился с А. С. Пушкиным, который приходил туда к своему младшему брату Льву, однокласснику Михаила.
Рихард Вагнер
,
Вильге́льм Ри́хард Ва́гнер (нем. Wilhelm Richard Wagner, произношение: 22 мая 1813, Лейпциг — 13 февраля 1883, Венеция) — немецкий композитор, дирижёр. Крупнейший реформатор оперы, оказавший значительное влияние на европейскую музыкальную культуру, особенно немецкую, в особенности на развитие оперных и симфонических жанров.
Мистицизм и идеологически окрашенный антисемитизм Вагнера повлияли на немецкий национализм начала XX века, а в дальнейшем на национал-социализм, окруживший его творчество культом, что в некоторых странах (особенно в Израиле) вызвало «антивагнеровскую» реакцию после Второй мировой войны.
В отличие от большинства оперных композиторов, Вагнер написал и либретто, и музыку к каждому из своих сценических произведений. Создав свою репутацию как композитор произведений в романтическом духе Карла Марии фон Вебера и Джакомо Мейербера, Вагнер произвёл революцию в опере благодаря своей концепции тотального произведения искусства (нем. Gesamtkunstwerk), в которой он стремился синтезировать поэтическое, изобразительное, музыкальное и драматическое искусство, причём музыка была вспомогательной по отношению к драме. Он описал это видение в серии эссе, опубликованных между 1849 и 1852 годами. Наиболее полно Вагнер реализовал эти идеи в первой половине четырёхоперного цикла «Кольцо нибелунга» (нем. Der Ring des Nibelungen). Его композиции, особенно позднего периода, отличаются сложными текстурами, богатыми гармониями и оркестровкой, а также тщательным использованием лейтмотивов — музыкальных фраз, связанных с отдельными персонажами, местами, идеями или элементами сюжета. Его достижения в области музыкального языка, такие как крайний хроматизм и быстрая смена тональных центров, оказали большое влияние на развитие классической музыки. Его «Тристан и Изольда» (нем. Tristan und Isolde) иногда называют началом модернистской музыки.
Вагнер построил свой собственный оперный театр (нем. Bayreuther Festspielhaus), в котором было воплощено много новых конструктивных особенностей. Здесь состоялась премьера «Кольца» и «Парсифаля», а его самые значительные сценические произведения продолжают исполняться на ежегодном Байройтском фестивале, которым руководят его потомки. Его взгляды на относительный вклад музыки и драмы в оперу изменились в поздний период, и он вновь ввел некоторые традиционные формы в свои последние сценические работы, включая «Нюрнбергских мейстерзингеров» (нем. Die Meistersinger von Nürnberg).
До последних лет жизнь Вагнера характеризовалась политическим изгнанием, бурными любовными романами, нищетой и неоднократным бегством от своих кредиторов. Его противоречивые сочинения о музыке, драме и политике вызвали множество комментариев — особенно, начиная с конца XX века, когда в них выражались антисемитские настроения. Влияние его идей можно проследить во многих видах искусства на протяжении XX века; его влияние распространилось не только на композицию, но и на дирижирование, философию, литературу, изобразительное искусство и театр.
Людовико Эйнауди
Людови́ко Эйна́уди (итал. Ludovico Einaudi; род. 23 ноября 1955, Турин, Италия) — итальянский композитор и пианист. Обучался в Миланской консерватории имени Джузеппе Верди, а также у композитора Лучано Берио. Начал свою карьеру в качестве классического композитора, вскоре добавив в свои произведения другие стили, включая поп- и рок-музыку, этническую и народную музыку. В своей музыке Эйнауди также часто использовал стиль эмбиент. Его музыка часто медитативная и интроспективная, с опорой на минимализм и современную поп-музыку.
Написал музыку для таких фильмов, как «1+1» и «Я всё ещё здесь», телевизионных мини-сериалов «Доктор Живаго» (2002) и Acquario (1996). За Acquario получил премию Grolla d'oro[it] в номинации «Лучший саундтрек». Выпустил несколько альбомов с произведениями для фортепиано с оркестром. Записал трек с Адриано Челентано в 2007 году к юбилейному сороковому альбому актёра.В середине 1990-х годов Эйнауди использовал свой неповторимый стиль для сочинения музыки для кинофильмов. Он начал с двух фильмов Микеле Сордилло (итал. Michele Sordillo): Da qualche parte in città (1994) и Acquario (1996), за саундтрек к последнему получил премию Grolla d’Oro. В 1998 году написал саундтрек к Treno di Panna[it], и в том же году партитуру к Giorni dispari Доминика Тамбаско (итал. Dominick Tambasco).
В 2000 году Эйнауди сотрудничал с Антонелло Гримальди[en] в работе над фильмом Un delitto impossibile[it], он также написал саундтрек для фильма Fuori dal mondo[en], который был номинирован на премию «Оскар» и за который он получил премию Echo Klassik[en]* в Германии в 2002 году. После выхода дебютного альбома Эйнауди, некоторые его фрагменты были включены в фильм Aprile (итал. Aprile) Нанни Моретти[3][13]. В 2002 году его саундтрек к Свет моих очей (итал. Luce dei miei occhi) был назван лучшим саундтреком года на вручении премии Italian Music Awards[en].
В том же 2002 году он получил итальянскую награду за лучшую партитуру (Best Film Score) к фильму Свет моих очей (итал. Luce dei miei occhi)[6]. А журнал Allmusic высоко оценил партитуру к мини-сериалу «Доктор Живаго», дав яркую рецензию и оценку в 4,5 из 5 звезд, сравнивая Эйнауди с Морисом Жарром — автором партитуры предыдущей экранизации романа[.В 2004 году его саундтрек к фильму «Странное преступление» получил приз за лучшую музыку к фильму на фестивале Avignon Film Festival[en].
В 2010 году Эйнауди написал музыку для трейлера фильма «Чёрный лебедь». С тех пор он не только сам сочинял саундтреки к фильмам, но и его музыка использовалась в качестве саундтрека. Его музыка Due Tramonti была использована в фильме «Я все ещё здесь» (2010) режиссёра Кейси Аффлека; произведение Nuvole Bianche использовано в фильме «Астрал» (2010) режиссёра Джеймса Вана, в британской ТВ-драме «Это Англия 86» и в сериале «Дерек[en]» (2012) режиссёра и исполнителя главной роли Рикки Джервейса. Для «1+1» (2011), самого кассового фильма в истории Франции, использовались такие треки Эйнауди как «Fly», «Writing Poems», «L’origine nascosta», «Cache-cache», «Una Mattina» и «Primavera». В фильме «Это Англия» использованы такие произведения, как «Fuori Dal Mondo», «Ritornare» и «Dietro casa». Британский телевизионный сериал «Это Англия 88» также включал треки «Fuori Dalla Notte», «Solo» (бонус-трек с альбома Nightbook[en]), «Berlin Song» и «Distacco». В 2020 году его музыка была использована в фильмах «Nomadland» и «The Father».
Ханс Циммер
,
Ханс Циммер родился во Франкфурте-на-Майне в еврейской семье. Ещё подростком переехал в Великобританию, где окончил частную школу Hurtwood House[en]. Объясняя причины переезда в Великобританию на немецком телевидении, композитор сказал: Мой отец умер, когда я был ещё ребёнком, и я как-то постепенно сбежал к музыке, которая стала моим лучшим другом
Он начал свою музыкальную карьеру с игры на клавишных и синтезаторах в группах Helden (вместе с Уорреном Канном из Ultravox) и The Buggles (сингл «Video Killed the Radio Star»). В 1980-х годах он работал вместе с кинокомпозитором Стенли Майерсом[en]; они совместно написали музыку к таким фильмам, как «Лунное сияние» (1982), «Ничтожество» (1985), «Моя прекрасная прачечная» (1985). Его первым крупным достижением считается 1988 год, когда написанная им главная музыкальная тема фильма «Человек дождя» была номинирована на премию Американской академии киноискусства «Оскар».
С того момента Циммер начал писать музыку для высокобюджетных фильмов: «Миссия невыполнима 2», «Багровый прилив», «Скала», «Настоящая любовь», «Гладиатор», «Шофёр мисс Дэйзи», «Принц Египта», «Перл-Харбор», «Тонкая красная линия», «Чёрный ястреб», «Мадагаскар», «Мадагаскар 2», «Код да Винчи» и саундтреки «Пираты Карибского моря: Сундук мертвеца», «Пираты Карибского моря: На краю света», «Бэтмен: Начало», «Тёмный рыцарь», «Начало» «Интерстеллар» . В 1995 году он был удостоен премии «Оскар» в номинации «Лучшая музыка» (мультфильм «Король Лев»).
На премьере фильма «Тёмный рыцарь».
Вместе с ним в его студии «Remote Control Productions» (ранее известной как «Media Ventures») работают композиторы Стив Яблонски, Джеймс Дули, Лорн Балф и Джефф Дзанелли. Наиболее известными выходцами из «Remote Control Productions» являются композиторы Гарри Грегсон-Уильямс (Metal Gear Solid 2, Metal Gear Solid 3, Metal Gear Solid 4, Call of Duty 4: Modern Warfare, «Лев, колдунья и платяной шкаф», «Принц Персии: Пески времени»), Марк Манчина («Братец медвежонок»), Джон Пауэлл («Ледниковый период 2») и Клаус Бадельт («Ультрафиолет», Пираты Карибского моря: Проклятие Чёрной жемчужины).
8 декабря 2010 года Ханс Циммер был удостоен звезды на знаменитой Аллее славы в Голливуде[7].
С 2010 года пишет музыку для передачи «Сквозь червоточину» с Морганом Фрименом.
В списке «100 гениев современности», составленном газетой The Daily Telegraph, Ханс Циммер занимает 72-е место.
В 2011 году в немецком городе Кёльн состоялось вручение престижных наград «Всемирной академии саундтреков», где Циммер получил приз за лучший саундтрек года к фильму «Начало»[9].
Автор музыки к заставке Чемпионата мира по футболу 2018.
В 2022 году Ханс Циммер стал лауреатом премий «Золотой глобус» и «Оскар» за музыку, написанную им к фильму «Дюна».
15 марта 2022 года композитор начал свой тур по Европе вместе с 10 представителями оркестра Одесского оперного театра, которым команда артиста помогла выехать с Украины во время вторжения России на Украину. Во время концерта была исполнена композиция, посвящённая украинским женщинам, а на экране транслировали украинский флаг и фотографии женщин, служащих в Вооружённых силах Украины.
Циммер живёт в Лос-Анджелесе с женой Сюзанной и четырьмя детьми.
Элтон Джон
,
Сэр Э́лтон Геркуле́с Джон (англ. Elton Hercules John; имя при рождении — Ре́джиналд Ке́ннет Дуа́йт (англ. Reginald Kenneth Dwight); род. 25 марта 1947, Пиннер[en], Мидлсекс, Англия, Великобритания) — британский певец, пианист и композитор.
Оказал заметное влияние на развитие лёгкого рока. Один из самых коммерчески успешных исполнителей 1970-х годов и один из самых успешных рок-исполнителей Великобритании. За всю свою карьеру он продал в США и Великобритании больше альбомов, чем любой другой британский соло-исполнитель.
Он работал с поэтом-песенником Берни Топином с 1967 года; они сотрудничали на более чем 30 альбомах. На протяжении своей 50-летней карьеры Элтон Джон продал более 300 миллионов пластинок, что сделало его одним из самых продаваемых музыкальных исполнителей. У него более пятидесяти лучших 40 хитов в британском чарте синглов и Billboard Hot 100, включая девять номер один в Великобритании и девять в США, а также семь последовательных альбомов номер один в США и ещё семь его альбомов занимали первые места в Billboard 200, 40 синглов входили в американский Топ-40, 28 попадали в первую десятку и девять поднимались на первое место. 52 сингла Элтона Джона входили в британский Топ-40. Его сингл «Candle in the Wind 1997» (новая версия «Candle in the Wind[en]» 1973 года), переписанный в честь Дианы, принцессы Уэльской, был продан тиражом более 33 миллионов копий по всему миру, и является самым продаваемым синглом в истории чартов Великобритании и США. Он также продюсировал записи и иногда снимался в фильмах. С 1976 по 1987 и с 1997 по 2002 Элтон Джон владел английским футбольным клубом «Уотфорд». Он является почётным пожизненным президентом клуба.
Выросший в районе Пиннер в Лондоне, Элтон Джон научился играть на пианино в раннем возрасте, и к 1962 году создал Bluesology[en], R & B группу, в которой играл до 1967 года. Он встретил своего давнего музыкального партнера Берни Топина в 1967 году, после того как они оба ответили на объявление для авторов песен. В течение двух лет они писали песни для артистов, включая Лулу, а Джон работал сессионным музыкантом для артистов, включая Холлиз и Скаффолд. В 1969 году был выпущен дебютный альбом Джона Empty Sky. В 1970 году его первый хитовый сингл Your Song со второго альбома Elton John вошел в десятку лучших в Великобритании и США. Элтон Джон также имел успех в музыкальных фильмах и театре, мультфильм 1994 года «Король Лев» и его театральная адаптация, «Аида» и «Билли Эллиот (мюзикл)».
Элтон Джон имеет пять премий «Грэмми», пять премий «Brit», две премии «Оскар», две премии «Золотой глобус», премию «Тони», премию «Легенды Диснея» и «Премию Кеннеди-центра». В 2004 году занял 49-е место в списке величайших исполнителей по версии журнала Rolling Stone. В 2013 году журнал Billboard назвал его самым успешным сольным артистом в списке лучших исполнителей всех времен Billboard Hot 100 и третьим в целом после Битлз и Мадонны. Он был введен в Зал славы рок-н-ролла в 1994 году и Зал славы авторов песен в 1992 году, а также является членом Британской академии композиторов и авторов[en]. Он был посвящен в рыцари королевой Елизаветой II за «услуги музыке и благотворительные услуги» в 1998 году. Элтон Джон выступал на нескольких королевских мероприятиях, таких как похороны принцессы Дианы в Вестминстерском аббатстве в 1997 году, британский музыкальный концерт в честь Золотого юбилея Елизаветы II «Party at the Palace[en]» в 2002 году и концерт в честь Бриллиантового юбилея королевы у Букингемского дворца в 2012 году.
Элтон Джон известен также как общественный деятель, в частности, на поприще начатой им в конце 1980-х годов борьбы против эпидемии СПИДа. В 1992 году он основал Фонд Элтона Джона по борьбе со СПИДом, а год спустя он стал организатором ежегодной вечеринки Фонда СПИДа, которая стала одной из самых престижных Оскар-вечеринок в голливудской киноиндустрии. С момента своего основания фонд собрал более 300 миллионов фунтов стерлингов. Прощальный тур[en] Элтона Джона, проходивший в 2018—2023 годах, стал самым кассовым концертным туром в истории.
----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
Отличительной чертой творчества Моцарта является сочетание строгих, ясных форм с глубокой эмоциональностью. Уникальность его творчества состоит в том, что он не только писал во всех существовавших в его эпоху формах и жанрах, но и в каждом из них оставил произведения непреходящего значения. Музыка Моцарта обнаруживает множество связей с разными национальными культурами (особенно итальянской), тем не менее она принадлежит национальной венской почве и носит печать творческой индивидуальности композитора.
Моцарт — один из известнейших мелодистов. Его мелодика сочетает черты австрийской и немецкой народной песенности с певучестью итальянской кантилены. Несмотря на то, что его произведения отличаются поэтичностью и тонким изяществом, в них часто встречаются мелодии мужественного характера, с большим драматическим пафосом и контрастными элементами.
Особое значение Моцарт придавал опере. Его оперы — целая эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Наряду с Кристофом Глюком, он являлся одним из реформаторов жанра оперы, оказав на него значительный вклад, но в отличие от него, Моцарт основой оперы считал музыку. Он создал совершенно иной тип музыкальной драматургии, где оперная музыка находится в полном единстве с развитием сценического действия. Как следствие — в его операх нет однозначно положительных и отрицательных персонажей, характеры живые и многогранные, показаны взаимоотношения людей, их чувства и стремления. Наиболее популярными стали оперы «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан» и «Волшебная флейта».
Большое внимание Моцарт уделял симфонической музыке. Благодаря тому, что на протяжении своей жизни он работал параллельно над операми и симфониями, его инструментальная музыка отличается певучестью оперной арии и драматической конфликтностью. Наиболее популярными стали три последние симфонии — № 39, № 40 и № 41 («Юпитер»). Также Моцарт стал одним из создателей жанра классического концерта.
Камерно-инструментальное творчество Моцарта представлено разнообразными ансамблями (от дуэтов до квинтетов) и произведениями для фортепиано (сонаты, вариации, фантазии). Моцарт отказался от клавесина и клавикорда, обладающих по сравнению с фортепиано более слабым звуком. Фортепианная манера Моцарта отличается элегантностью, отчётливостью, тщательной отделкой мелодии и аккомпанемента.
Тематический каталог сочинений Моцарта («Chronologisch-thematisches Verzeichniss sämmtlicher Tonwerke W. A. Mozart´s») был составлен в 1862 году Кёхелем. По исчислению Кёхеля, Моцарт написал 68 духовных произведений (мессы, оффертории, гимны и пр.), 23 произведения для театра, 22 сонаты для клавесина, 45 сонат и вариаций для скрипки и клавесина, 32 струнных квартета, около 50 симфоний, 55 концертов и пр., в общей сложности 626 произведений. Каталог Кёхеля неоднократно пересматривался моцартоведами.
Слушайте
После 1812 года творческая активность композитора на время падает, однако через три года он начинает работать с прежней энергией. В это время созданы фортепианные сонаты с 28-й по последнюю, 32-ю, две сонаты для виолончели, квартеты, вокальный цикл «К далёкой возлюбленной». Много времени уделяется и обработкам народных песен. Наряду с шотландскими, ирландскими, уэльскими, есть русские и украинские. Но главными созданиями последних лет стали два самых монументальных сочинения Бетховена — «Торжественная месса» и Симфония № 9 с хором.
Девятая симфония была исполнена в 1824 году. Публика устроила композитору овацию. Известно, что Бетховен стоял спиной к залу и ничего не слышал, тогда одна из певиц взяла его за руку и повернула лицом к слушателям. Люди махали платками, шляпами, руками, приветствуя композитора. Овация длилась так долго, что присутствовавшие тут же полицейские чиновники потребовали её прекращения. Подобные приветствия допускались только по отношению к особе императора.
В Австрии, после поражения Наполеона, был установлен полицейский режим. Напуганное революцией правительство пресекало любые «свободные мысли». Многочисленные тайные агенты проникали во все слои общества. В разговорных тетрадях Бетховена то и дело встречаются предупреждения[11]: «Тише! Осторожно, здесь шпион!» И, вероятно, после какого-то особенно смелого высказывания композитора: «Вы кончите на эшафоте!»
Могила Бетховена на центральном кладбище Вены, Австрия
Однако популярность Бетховена была так велика, что правительство не решалось его тронуть. Несмотря на глухоту, композитор продолжает быть в курсе не только политических, но и музыкальных новостей. Он читает (то есть слушает внутренним слухом) партитуры опер Россини, просматривает сборник песен Шуберта[11], знакомится с операми немецкого композитора Вебера «Вольный стрелок» и «Эврианта». Приехав в Вену, Вебер посетил Бетховена. Они вместе завтракали, и Бетховен, обычно не склонный к церемониям, ухаживал за своим гостем.
После смерти младшего брата композитор взял на себя заботу о его сыне. Бетховен помещает племянника в лучшие пансионы и поручает своему ученику Карлу Черни заниматься с ним музыкой. Композитор хотел, чтобы мальчик стал учёным или артистом, но того привлекало не искусство, а карты и бильярд. Запутавшись в долгах, он совершил попытку самоубийства. Попытка эта не причинила особого вреда: пуля лишь чуть оцарапала кожу на голове. Бетховен очень переживал по этому поводу. Здоровье его резко ухудшилось. У композитора развивается тяжёлое заболевание печени.
Похороны Бетховена
Людвиг ван Бетховен умер 26 марта 1827 года, на 57-м году жизни. Свыше двадцати тысяч человек шли за его гробом. Во время похорон на Верингском кладбище была исполнена любимая заупокойная месса Бетховена Реквием до-минор Луиджи Керубини. На могиле прозвучала речь, написанная поэтом Францем Грильпарцером[11]:
Он был художник, но также и человек, человек в высшем смысле этого слова… О нём можно сказать, как ни о ком другом: он совершил великое, в нём не было ничего дурного.
В 1862 году останки композитора были эксгумированы для исследования, а в 1888 году перезахоронены на Центральном кладбище Вены.
После смерти композитора осталось несколько заметок в тетради, которые позже получили название «Неоконченная Десятая симфония Бетховена». В конце 2010-х годов у команды музыковедов и программистов появилась идея завершить это музыкальное произведение при помощи искусственного интеллекта и приурочить это событие к 250-летию со дня рождения композитора, который будут отмечать в декабре 2020 года. Первые наработки, полученные с помощью алгоритмов машинного обучения, уже получили одобрение сотрудников Дома Бетховена в Бонне[18]. В сентябре 2021 года работа была завершена с помощью программиста Федеральной политехнической школы Лозанны Флориана Коломбо. Проект был назван BeethovANN 10.1Слушайте
Вопреки распространённому мифу, Бах после смерти не был забыт. Правда, это касалось произведений для клавира: его сочинения исполнялись и издавались, использовались в дидактических целях. В церкви продолжали звучать произведения Баха для органа, в постоянном обиходе были органные гармонизации хоралов. Кантатно-ораториальные сочинения Баха звучали редко (хотя ноты бережно сохранялись в церкви св. Фомы), как правило, по инициативе Карла Филиппа Эммануила Баха.
В последние годы жизни и после смерти Баха его известность как композитора стала уменьшаться: его стиль считали старомодным по сравнению с расцветающим классицизмом. Его больше знали и помнили как исполнителя, педагога и отца Бахов-младших, в первую очередь Карла Филиппа Эммануила, музыка которого была известнее.
Однако многие крупные композиторы, например Моцарт и Бетховен, знали и любили творчество Иоганна Себастьяна Баха. Их воспитывали на произведениях Баха с самого детства. Однажды при посещении Школы Св. Фомы Моцарт услышал один из мотетов (BWV 225) и воскликнул: «Здесь есть чему поучиться!» — после чего, попросив ноты, долго и упоённо изучал их.
Бетховен очень ценил музыку Баха. В детстве он играл прелюдии и фуги из «Хорошо темперированного клавира», а позже называл Баха «истинным отцом гармонии» и говорил, что «не Ручей, а Море ему имя» (слово Bach по-немецки значит «ручей»). Влияние Баха проявлялось как на уровне идей, выбора жанров, так и в некоторых полифонических фрагментах бетховенских произведений.
Биография, написанная в 1802 году Иоганном Николаусом Форкелем, подстегнула интерес широкой публики к его музыке. Всё больше людей открывали для себя его музыку. Например, Гёте, довольно поздно в своей жизни познакомившийся с его произведениями (в 1814 и 1815 годах в городе Бад-Берка были исполнены некоторые его клавирные и хоровые сочинения), в письме 1827 года сравнил ощущение от музыки Баха с «вечной гармонией в диалоге с самой собой».
В первые десятилетия XIX века продвижением баховской хоровой музыки активно занимался директор Берлинской певческой академии К. Ф. Цельтер, а также его ученик и преемник на посту директора К. Ф. Рунгенхаген. Уже в 1811 Цельтер ввёл Мессу си минор в концертный обиход. Силами академии под управлением Ф. Мендельсона впервые после смерти Баха были исполнены «Страсти по Матфею». Премьера, которая прошла в Берлине 11 марта 1829 года, имела такой успех, что концерт был повторён в день рождения Баха. «Страсти по Матфею» прозвучали также в других городах — во Франкфурте, Дрездене, Кёнигсберге. Гегель, посетивший концерт, позже назвал Баха «великим, истинным протестантом, сильным и, так сказать, эрудированным гением, которого мы только недавно вновь научились ценить в полной мере». В 1835 в Берлине состоялось и первое (без купюр, в два вечера) исполнение Мессы си минор — музыкантами Певческой академии под управлением Рунгенхагена.
В 1850 году было основано Баховское общество, целью которого являлись сбор, изучение и распространение произведений Баха. В последующие полвека этим обществом была проведена значительная работа по составлению и публикации корпуса произведений композитора.
В России начала XIX века как знатоки и исполнители музыки Баха особенно выделяются ученица Фильда Мария Шимановская и Александр Грибоедов.
В XX веке продолжилось осознание музыкальной и педагогической ценности его сочинений. Интерес к музыке Баха породил новое движение среди исполнителей: широкое распространение получила идея аутентичного исполнения. Такие исполнители, например, используют клавесин вместо современного[когда?] фортепиано и хоры меньшего размера, чем это было принято в XIX и начале XX века, желая в точности воссоздать музыку баховской эпохи.
Некоторые композиторы выражали своё почтение Баху, включая в темы своих произведений мотив BACH (си-бемоль — ля — до — си в немецкой буквенной нотации). Например, Лист написал прелюдию и фугу на тему BACH, а Шуман написал 6 фуг на ту же тему. Из творчества современных[когда?] композиторов на эту же тему можно назвать «Вариации на тему BACH» Романа Леденёва. Эту же тему нередко использовал и сам Бах, например, в XIV контрапункте из «Искусства фуги».
Композиторы нередко использовали темы из произведений Баха. К примеру, прелюдия и фуга № 1 из ХТК I послужила Шарлю Гуно основой для AVE MARIA Баха-Гуно, прелюдия № 10 (ХТК I) Александру Зилоти – вариацией для прелюдии Баха-Зилоти, в сонате для виолончели Ре мажор Брамса в финале использованы музыкальные цитаты из «Искусства фуги».
Многие композиторы успешно использовали разработанные Бахом жанры. Например, бетховенские вариации на тему Диабелли, прототипом которых являются «Гольдберг-вариации». «Хорошо темперированный клавир» явился родоначальником жанра цикла частей, написанных во всех тональностях. Примеров такого жанра множество, например 24 прелюдии и фуги Шостаковича, цикл из 24 прелюдий Шопена, отчасти Ludus tonalis Пауля Хиндемита.
Хоральная прелюдия «Ich ruf’ zu Dir, Herr Jesu Christ» (BWV 639) из Органной книжечки Баха в исполнении Леонида Ройзмана звучит в фильме Андрея Тарковского «Солярис» (1972).
Музыка Баха в числе лучших творений человечества записана на золотой диск «Вояджера».
По версии The New York Times Иоганн Себастьян Бах возглавил десятку самых великих композиторов всех времён и народов Слушайте
На протяжении всей карьеры Верди отказывался использовать высокое «до» в теноровых партиях, ссылаясь на то, что возможность спеть именно эту ноту перед полным залом отвлекает исполнителей и до, и после, и во время исполнения ноты.
Несмотря на то, что временами оркестровка у Верди мастерская, композитор полагался в основном на свой мелодический дар для выражения эмоций героев и драматизма действия. В самом деле, очень часто в операх Верди, особенно во время сольных вокальных номеров, гармония намеренно аскетическая, и весь оркестр звучит, как один аккомпанирующий инструмент (Верди приписываются слова: «Оркестр — большая гитара!» Некоторые критики утверждают, что Верди уделял техническому аспекту партитуры недостаточно внимания, поскольку ему недоставало школы и утонченности. Сам Верди сказал как-то, «Из всех композиторов я — самый малознающий». Но поспешил добавить, «Я это серьёзно говорю, но под „знаниями“ я подразумеваю вовсе не знание музыки».
Тем не менее было бы неверным утверждать, что Верди недооценивал выразительную силу оркестра и не умел использовать её до конца, когда ему это было нужно. Более того, оркестровое и контрапунктное новаторство (например, струнные, взлетающие по хроматической гамме в сцене Монтероне в «Риголетто», дабы подчеркнуть драматичность ситуации, или, тоже в «Риголетто», хор, мычащий близкостоящие ноты за кулисами, изображая, весьма эффектно, приближающуюся бурю) — характерно для творчества Верди — характерно настолько, что другие композиторы не посмели позаимствовать у него некоторые смелые приёмы из-за их мгновенной узнаваемости.
Верди был первым композитором, специально занимающимся поиском такого сюжета для либретто, который бы лучше всего отвечал особенностям его композиторского дарования. Работая в тесном сотрудничестве с либреттистами и зная, что именно драматическая экспрессия является главной силой его таланта, он добивался устранения из сюжета «ненужных» деталей и «лишних» героев, оставляя лишь персонажи, в которых кипят страсти, и богатые драматизмом сцены.
Чайковский — ярчайший представитель музыкального романтизма в России XIX века. В отличие от кучкистов, он не декларировал стремление «к новым берегам», никогда не выражал желания стать «композитором-реформатором»[108]. Чайковский воспринял всю систему жанров, практиковавшихся в современной ему Европе — симфонию, симфоническую поэму, струнный квартет, сольный инструментальный концерт, сонату, сюиту и пр. Чайковский испытал влияние типичных композиционных принципов и техник западноевропейского романтизма — программной музыки, лейтмотивной системы, тональной гармонии (с использованием типичных для романтиков модализмов и секвенций), акцентной метрики, музыкальной формы, контрапункта, оркестровки[109]. Вместе с тем музыка Чайковского обладает ярко выраженной спецификой, безошибочно схватываемой на слух. Точное определение этой интуитивно схватываемой специфики составляет научную проблему. Обычно исследователи выделяют два основных творческих вектора Чайковского: вектор национальной характерности и вектор «общеромантической» западноевропейской стилистики.
Михаил Иванович в середине 1844 года предпринял новое длительное заграничное путешествие. На этот раз он поехал во Францию, а затем в Испанию. В Париже Глинка познакомился с французским композитором Гектором Берлиозом, который (позже) стал почитателем его таланта. Весной 1845 года Берлиоз исполнил на своём концерте произведения Глинки: лезгинку из «Руслана и Людмилы» и арию Антониды из «Ивана Сусанина». Успех этих произведений навёл Глинку на мысль дать в Париже благотворительный концерт из своих сочинений. 10 апреля 1845 года большой концерт русского композитора с успехом прошёл в концертном зале Герца на улице Победы в Париже.
13 мая 1845 года Глинка отправился в Испанию, где изучал традиционную культуру, нравы, язык испанского народа, записывал испанские фольклорные мелодии. Творческим результатом этой поездки явились две симфонические увертюры, написанные на испанские народные темы. Осенью 1845 года Глинка закончил увертюру «Арагонская хота», а в 1848 году, уже по возвращении в Россию, — «Воспоминание о летней ночи в Мадриде».
Летом 1847 года Глинка отправился в обратный путь, в своё родовое село Новоспасское, затем снова отправился в Санкт-Петербург, но передумав, решил перезимовать в Смоленске. Однако приглашения на балы и вечера, почти ежедневно преследовавшие композитора, довели его до отчаяния и до решения вновь покинуть Россию[источник не указан 3157 дней]. В заграничном паспорте Глинке было отказано, поэтому, в 1848 году он остановился в Варшаве, где написал симфоническую фантазию «Камаринская» на темы двух русских песен: свадебной лирической «Из-за гор, гор высоких» и бойкой плясовой. В этом произведении Глинка утвердил новый тип симфонической музыки и заложил основы её дальнейшего развития, умело создав необычайно смелое сочетание различных ритмов, характеров и настроений.[источник не указан 2099 дней] Пётр Ильич Чайковский так отозвался о произведении Глинки:
Вся русская симфоническая школа, подобно тому как весь дуб в жёлуде, заключена в симфонической фантазии „Камаринская“.
В 1851 году Глинка возвратился в Санкт-Петербург, где давал уроки пения, готовил оперные партии и камерный репертуар с такими певцами как Н. К. Иванов, О. А. Петров, А. Я. Петрова-Воробьёва, А. П. Лодий, Д. М. Леонова и другими. Под непосредственным влиянием Глинки складывалась русская вокальная школа[12]. Бывал у М. И. Глинки и А. Н. Серов, в 1852 году записавший его «Заметки об инструментовке» (опубликованы 4 года спустя). Часто приезжал А. С. Даргомыжский.
В 1852 году Глинка вновь отправился в путешествие. Он планировал добраться до Испании, но утомившись от переездов в дилижансах и по железной дороге, остановился в Париже, где прожил чуть более двух лет. В Париже Глинка начал работу над симфонией «Тарас Бульба», которая так и не была закончена. Начало Крымской войны, в которой Франция выступила против России, стало событием, окончательно решившим вопрос об отъезде Глинки на родину. По пути в Россию Глинка две недели провёл в Берлине.
В мае 1854 года Глинка приехал в Россию. Он провёл лето в Царском Селе на даче, а в августе снова перебрался в Санкт-Петербург на Эртелев переулок. В том же 1854 году начал писать мемуары, названные им «Записки»
В 1856 году Глинка уехал в Берлин, где занялся изучением творчества Дж. П. Палестрины и И. С. Баха.
В том же году Глинка написал музыку на церковнославянские богослужебные тексты: Ектению и «Да исправится молитва моя».
Глинка скончался от простуды, обострившей хроническую болезнь печени, 15 февраля 1857 года в Берлине и был похоронен на лютеранском кладбище. В мае того же года, по настоянию младшей сестры М. И. Глинки Людмилы (которая после кончины их матери и двух своих детей с начала 1850-х годов целиком посвятила себя заботам о брате, а после его кончины сделала всё, чтобы опубликовать его произведения) прах композитора был перевезён в Санкт-Петербург и перезахоронен на Тихвинском кладбище.
Во время перевозки праха Глинки из Берлина в Россию на его упакованном в картон гробу была надпись «ФАРФОРЪ» — символично, если вспомнить канон, сочинённый друзьями Глинки после премьеры «Ивана Сусанина». На могиле Глинки установлен памятник, созданный по эскизу И. И. Горностаева.
В Берлине на русском православном кладбище находится кенотаф, включающий надгробную плиту с первоначального места захоронения Глинки на лютеранском Троицком кладбище, а также сооружённый в 1947 году Военной комендатурой советского сектора Берлина памятник в виде колонны с бюстом композитора
Интерес к общественной тематике никогда не оставлял Вагнера. Своеобразная Künstlerutopie («утопия искусства») была описана композитором в статье «Искусство и революция», вышедшей в 1849 г. И до, и после этого Вагнер не раз будет обращаться к месту художника в современном ему обществе, но в этой статье композитор единственный раз в более или менее систематизированной форме выскажется о своих представлениях об идеальном общественном устройстве и о месте искусства в будущей мировой гармонии. Написанная после поражения революций 1848 года, в обстановке немалого общественного пессимизма относительно возможности коренным образом изменить мир в лучшую сторону, статья Вагнера полна задора и уверенности в скорой победе революции. Однако революция по Вагнеру очень сильно отличается от той, о которой мечтали современные ему властители дум и из либерального, и из социалистического лагеря. Революция будет освящена искусством, которое придаст ей и созданному ей человеку подлинную красоту. Находясь в традиции классического немецкого идеализма, Вагнер полагал, что за эстетикой (прекрасным) естественным образом следует этика.
Любопытно, что в этой весьма оптимистичной и кажущейся даже несколько наивной концепции сосредоточены многие предпосылки для будущих размышлений Вагнера. Речь, во-первых, о детерминизме, присущем всем построениям Вагнера. Действительно, революция по Вагнеру не должна быть, а будет освящена благодатью искусства. Вагнер видит в этом логичное завершение круга истории. Революция уничтожила греческие полисы, в которых театр позволял свободным гражданам достигать высших проявлений духа, поскольку огромное большинство жителей были рабами, которые нуждались только в одном — свободе. На смену Аполлону пришёл Христос, который провозгласил равенство всех людей, однако заставил их равно восстать против естественной природы человеческой ради мнимого счастья на небесах. Последняя и настоящая революция, по мнению Вагнера, должна уничтожить Индустрию, то есть всеобщую унификацию, которая стала мечтой и эдемом Нового времени. Таким образом, в соединении двух начал — всеобщей свободы и красоты — будет достигнута мировая гармония. В этой последней идее видна вторая характерная черта философского творчества Вагнера — направленность на преодоление времени, в котором сосредоточено всё преходящее, несущественное и одновременно пошлое. Наконец, в идее слияния революции и искусства намечается вагнеровской дуализм, который корнями, по всей вероятности, уходит в платоновскую концепцию разделённости первоначального человеческого существа.
После мультимедийного вдохновения — альбома Time Out в 1988 году, в 1992 году он выпустил альбом Stanze, который сочинил для арфы. Альбом исполняется Сесилией Шайи[en] — одной из первых музыкантов, играющих на электро-арфе[en]. Эйнауди выпустил первый сольный фортепианный альбом Le Onde в 1996 году на BMG[en]. В основе альбома лежит роман «Волны» британской писательницы Вирджинии Вульф, имевший особенный успех в Италии и Великобритании[3][13]. Альбом 1999 года Eden Roc с короткими пьесами также выпущен на BMG[en], для этого проекта Эйнауди сотрудничал с армянским мастером игры на дудуке Дживаном Гаспаряном[13].
Следующий сольный фортепианный альбом Эйнауди I Giorni (2001) создан под впечатлениями, полученными им в африканских путешествиях[3][13]. Сольный трек с тем же названием I Giorni был использован в рекламной кампании художественных и культурных программ BBC[17], его также часто ставил в эфир Грега Джеймса в 2011 году на BBC Radio 1. Джеймс отметил, что он нашёл своеобразную «лечебную пьесу»[18]. Из-за частых появлений в радиоэфире в июне песня даже вошла в UK Singles Chart на 32-ом месте (12 июня 2011 года)[19].
Концерт в «Ла Скала» 03.03.03[en] (концертный альбом 2004 года) — это запись концерта Эйнауди в театре «Ла Скала» в Милане 3 марта 2003 года. Его альбом 2003 года Diario Mali — результат творческого союза Эйнауди (игравшего для альбома на фортепиано) и малийского музыканта Боллэйка Сиссоко, играющего на коре. В 2004 году Эйнауди выпустил альбом Una Mattina на студии Decca Records[13]. В 2006 году вышел его альбом Divenire (фортепиано с оркестром), ставший «золотым» в Италии[2]. Особенно высоко оценили критики трек «Primavera», он записан Королевским филармоническим оркестром Ливерпуля с Эйнауди за фортепиано. Вскоре после выпуска альбома композитор отправился на гастроли по Великобритании, играя произведения из альбома и оркестровые аранжировки других произведений. Альбом возглавил чарт классической музыки ITunes[1].
В октябре 2009 года вышел альбом Nightbook, показавший, что Эйнауди взял новое направление в музыке, соединив синтезированные звуки с его сольной игрой на фортепиано[6]. Этот альбом — реакция на произведения немецкого художника и скульптора Ансельма Кифера. Альбом был также вдохновлён барабанами и электроникой Whitetree Project — трио, сформированного Эйнауди с Робертом и Рональдом Липпоками из немецкой электронной группы To Rococo Rot[en][4]. В Италии альбом тоже стал «золотым», разойдясь более чем 35 тысячами экземпляров.
Альбом In a Time Lapse был выпущен 21 января 2013 года[20] и сопровождался рекламными турами по США и Канаде. Эйнауди также появился на радио KCRW[en] в Лос-Анджелесе[21]. 17 сентября 2013 года Эйнауди исполнил различные песни из альбома In a Time Lapse вместе с ансамблем на ежегодном фестивале ITunes в The Roundhouse в Лондоне.
Альбом Эйнауди Elements (2015) — первый за последние 20 лет альбом классической музыки, попавший в британский чарт «Топ-20».
В марте 2016 в здании Королевского филармонического оркестра Ливерпуля состоялся премьерный концерт Эйнауди для фортепиано под названием «Домино».
В 2016 году Людовико Эйнауди в сотрудничестве с Greenpeace привлёк внимание к вопросу сохранения Арктики. На рояле, установленном на платформе, плывущей вдоль тающего ледника Валенбергбрин на Земле Оскара II, он сыграл «Элегию Арктике»
Ханс Фло́риан Ци́ммер (нем. Hans Florian Zimmer; род. 12 сентября 1957[1][2][…], Франкфурт-на-Майне, Гессен) — немецкий кинокомпозитор, известный своей музыкой к фильмам и компьютерным играм. Широко известен благодаря своим работам, которые успешно используют режиссёры в боевиках и триллерах.
Двукратный лауреат премии «Оскар» (на которую номинировался 12 раз), трёхкратный лауреат премии «Золотой глобус», четырёхкратный лауреат премии «Грэмми».
Наиболее известен музыкой к таким фильмам и мультфильмам, как «Человек дождя», «Король Лев», «Принц Египта», «Спирит: Душа прерий», «Скала», «Лучше не бывает», «Падение „Чёрного ястреба“», «Гладиатор», «Ангелы и демоны», «Перл-Харбор», «Начало», «Интерстеллар» и «Робот по имени Чаппи», «Дюна», к сериям фильмов «Пираты Карибского моря», «Тёмный рыцарь», «Шерлок Холмс», а также к играм Call of Duty: Modern Warfare 2, Crysis 2.
Реджиналд Кеннет Дуайт родился в Пиннере, Англия, в семье майора ВВС Стэнли Дуайта и его жены Шейлы (в девичестве Харрис). Дуайта в детстве воспитывала главным образом мать; своего отца Реджинальд видел нечасто. Стэнли и Шейла развелись в 1962 году, когда Дуайту было 15. Его мать вышла замуж за Фреда Фейрбразэра (Fred Farebrother), которого Элтон с любовью называл «Дерф». Дуайт начал играть на фортепиано, когда ему было четыре. Он был в состоянии сыграть любую мелодию. В одиннадцать лет он выиграл стипендию в Королевской Консерватории, где обучался затем на протяжении шести лет. В 1960 году Дуайт с друзьями собрали группу The Corvettes, которая начала с исполнения композиций Рэя Чарльза и Джима Ривза (на сцене Northwood Hills Hotel, в Миддлсексе), а в 1961 году превратилась в Bluesology[24] Днём он выполнял поручения для музыкальных издательств, по ночам же выступал соло в баре лондонской гостиницы и работал с Bluesology. К середине 1960-х годов Bluesology уже гастролировали в США — с такими ритм-энд-блюзовыми музыкантами, как The Isley Brothers, Major Lance, Дорис Трой, Патти ЛаБелль и The Bluebelles. В 1966 году группа приступила к сотрудничеству с Длинным Джоном Болдри (англ. Long John Baldry — часть прозвища последнего позже вошла в псевдоним Элтона Джона) и начала турне по Англии[3].
После неудачных прослушиваний в King Crimson[26] и Gentle Giant Дуайт ответил на объявление в еженедельнике New Musical Express, размещённое Рэем Уильямсом (англ. Ray Williams), тогдашним руководителем отдела артистов и репертуара компании Liberty Records. Уильямс дал Дуайту сборник текстов, написанных Берни Топином — автором-песенником, отозвавшимся на то же самое объявление. Ни Дуайта, ни Топина в конкурсе не отобрали. Но Дуайт написал музыку на стихи Топина, которую затем отправил последнему по почте: так, в совместном творчестве по переписке зародилось партнёрство, которое продолжается и по сей день[25].
В 1967 году была записана первая композиция Элтона Джона и Берни Топина «Scarecrow» («Пугало»): после первой встречи, шесть месяцев спустя, Реджинальд Дуайт взял псевдоним Элтон Джон — в честь Элтона Дина и Лонг Джона Болдри. Некоторое время спустя, в 1972 году, он добавил себе среднее имя, Hercules: так звали коня в комедийном телесериале «Steptoe and Son»
